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Poema  

 


Un poema tiene emoción, entorno físico, lenguaje, imagen, ritmo y tensión. El grado en que el poema tiene éxito es el grado en que todos estos elementos se hacen importantes para el lector, y al menos uno debe ser importante tan pronto como sea posible, ya sea en el título o en la primera línea o dos. Incluso el poema más suave debe ser agresivo para atrapar la tensión. Aunque la expectativa nos lleva al poema, una vez iniciada la primera frase, es el impulso del lenguaje al que nos lleva lo largo del cuerpo del texto, mientras que tanto la forma como el contenido crean más energía y expectativa para impulsar a través del poemario un flujo de progreso estético. Para controlar el ritmo, el poeta debe tener una conciencia del sentido de la expectativa del lector por un lado y frustración por el otro; confianza por un lado y sospecha por el otro. Una vez que el poeta a credo el deseo de saber del lector, entonces desarrolla la tesis de solución a un problema, tensando hasta el borde la comprensión.


Un poema exige una brecha exacta entre el lenguaje y nuestra comprensión. El poema debe mantenerse por delante de nosotros y nunca nos deja relajarnos, sorprendiendo con su ritmo. Si por alguna de las muchas razones: la oscuridad de las ideas, complejidad o densidad de la velocidad de lectura; el poema se adelanta demasiado, nos lleva ha golpear nuestra conciencia como una variación de nuestra expectativa creada desde el título y la forma visual del texto. Por lo que el lector dirigido por el lenguaje es controlado y liberado a crear su propio sentido. 


Vamos a centrarnos brevemente en el ritmo antes de mirar específicamente en el lenguaje. El ritmo se controla mediante la tensión, y la tensión es energía emocional. Esta energía proviene del lenguaje y de la anticipación del lector. Incluso la confianza del lector es una forma de energía. El escritor está equilibrado entre hacernos querer saber y no dejarnos sentir que los efectos del poema existen principalmente para crear este deseo. El ritmo es como una mano presionada en la mitad de la frase, empujando, dando espacios de descanso. El lector también avanza mediante un proceso de hacer preguntas y encontrar las soluciones. Necesitamos ser burlados un poco con nuestra ignorancia; debemos ser hechos para desear saber más. Incluso al final del poema lo mejor es dejar al lector con preguntas que solo pueden ser respondidas volviendo a la página. El escritor también debe tener cuidado de darnos la respuesta o incluso cambiar la escena o el tema mientras todavía está en medio del poema.


Si nuestras preguntas son respondidas demasiado fácil, perderemos interés. En consecuencia, una herramienta efectiva del escritor es el ritmo de la sorpresa, que es un cambio en la forma o contenido imprevisto por el lector. Esto puede ser simplemente un cambio de atención o una yuxtaposición más radical. Un gran placer en un poema utilizando en la forma tradicional de significado es producido dentro de un marco defino dentro del título. Todos los poemas son visualmente finitos. Parte del placer de las sorpresas en cualquier poema es sugerencia del infinito dentro del finito de sus letras que ha anticipado una posibilidad. 


Si el poeta puede hacernos creer en una pequeña cosa, tendremos más posibilidades de creer al poeta sobre una gran empresa. Una de las formas más rápidas de establecer la confianza del lector es a través de una descripción precisa de la configuración física. Más difícil es la descripción precisa de las condiciones emocionales. Lo que sabemos y lo que no sabemos es la mejor comunicación de las metáforas. Y es probable que la metáfora logre o pierda la confianza del lector cuando sus posibilidades de significado son estrechos.


Cuando leemos un poema por primera vez somos nuestras defensas, opiniones, prejuicios y el ruido de la vida. Tenemos nuestro desafío y seremos derrotados para hacernos más fuertes. Nuestra defensa se mantiene en su lugar mientras el lenguaje en su variedad de buenas razones dice que somos destinados a contraargumentar. Pero como una metáfora no es analítica, esta utiliza palabras para hacer algo que a su vez funciona como un símbolo para expresar algo. Formula nuevas posibilidades de nuestra comprensión imaginativa. Debido a que se arrastra bajo la barrera del argumento en su significado, la metáfora es una herramienta para bajar las defensas lingüísticas y derribar nuestra inflexibilidad semántica. Aunque un poema en sí mismo es una metáfora, respecto a las relaciones de un ser humano entre el yo y el mundo. Un escritor hace ver las cosas en relación entre sí, observa fenómenos en términos de cómo se vinculan con otros fenómenos, ya que busca metáforas como patrón subyacente. Espera una conexión a medida que el ser humano comienza a revelarse, como soluciones a problemas desnudos en la ventana de sus símbolos, parte del placer la poesía es que impone el ritmo del conocimiento. 


La forma en que se crea un poema, es una metáfora del orden de la solución propuesta, no solo a través del uso del patrón, sino también a través de la estructura del principio, desarrollo y final. El patrón en la poesía es repetición de dos elementos verbales. Percepción de belleza y la unión de forma y contenido. La belleza es una evidencia concreta de la posibilidad de la perfección orgánica del poema. 


En prosa un poema está influenciado por el ritmo de la claridad de lo que motivo al poeta componer esa pieza de texto. Son elementos líricos y narrativos haciendo malabarismos constantes para afectar el ritmo del poema. La claridad debe ser una preocupación para mover al lector entre ignorancia y conocimiento. Un efecto de la sorpresa, es poner en el filo de tensión, forma y ritmo. Dado el sentido original, todo lo que hace el poeta para puntuar y variar la velocidad del flujo de información aumentará la tensión, lo que a su vez acelera o ralentiza el ritmo.


Podemos observar pausas como saltos de línea. Para romper una línea en un pedazo de puntuación o una pausa sintáctica normal se crea un descanso con una tensión. Parte del habla del poema sigue a la ruptura, juega con la longitud de la líneas, las terminaciones en constantes y vocales, tipo de frases en su estructura. Cuanto mayor sea la tensión mayor será el impulso en el ritmo, pero, si al lector no se le da la oportunidad de descansar para reflexionar, podría salir del poema abruptamente.


Más importante de que los saltos de línea para controlar el ritmo es el impulso natural de palabras que afectan directamente el léxico demandado y el deseo de saber del lector. Una oración compuesta puede moverse más lentamente que una simple, y una compleja más lenta que una compuesta. En cualquier frase, la información es transportada por el sujeto, verbo y objetos directos e indirectos. La frase compleja también tiene una carga de información secundaria llevada por cláusulas subordinadas, frases preposicionales, frases entre paréntesis, interjecciones y series de guiones y tres puntos. El momento en que la información principal se retrasa o se interrumpe si existe la posibilidad de influir en el movimiento de la oración, y así apuntar o diminuir el ritmo. Señalamos que la tensión proviene generalmente de saltos de líneas, imágenes cargadas y el lenguaje. El leguaje es información y la información energía. Si el ritmo es la fuerza de esa energía, entonces la proporción es su distribución. Donde el poeta comienza el poema y la razón de la colocación de cada palabra sucesiva está parcialmente controlada por esta necesidad de proporción. Si el poema es demasiado corto o largo, entonces el ritmo exacto es imposible, porque el movimiento del lenguaje  se separa de los requisitos del contenido.


La proporción no es una técnica, sino una cualidad que influye no solo en el ritmo, sino también en las otras tres categorías en el ritmo: tono, cualidades auditivas musicales y sílabas entrelazadas. Al final, el poema no solo incrementa nuestra intensidad de vida, sino que hace del conocimiento que porta, una reconfiguración de nuestra persona. Aprender a controlar el ritmo, es algo que el poeta en sus minuciosas lingüísticas determina cómo funciona la estética como pegamento para la conciencia del lector. Finalmente, como obra de arte, es producto de haber estado en peligro, de haber ido al final en una experiencia, donde uno no puede ir más lejos… es la expresión posible más válida de esta singularidad. 


La respuesta a la pregunta de, ¿por qué fue escrito el poema? Es una de las más importantes para proporcionarnos acceso a la intensión del poema. En parte, porque la intensión del autor controla tanto los medios del poema, como los fines y nuestra primera pregunta trata de qué, no del cómo. La intensión del poema se encuentra tanto en el sentido individual de las palabras como en la relación entre ellas. Los sentidos de las palabras son denotativos, connotativos e entonativos. Denotativos es el significado principal de una palabra en un diccionario. El significado connotativo de una palabra incluye sus significados secundarios, así como sus dimisiones simbólicas y culturales. Lo entonativo es el sombreado emocional dado por estrés  y pronunciación de la palabra. También indica si la frase es interrogativa , declarativa o exclamativa. En una pieza de escritura, como un poema, la entonación debe deducirse del contexto o de los dispositivos formales como la tipografía, marcas de puntuado, saltos de línea, medidor de longitud, rima, sonidos acumulados. Es el tono el que revela mucho de la intención del escritor. El tono controla los valores denotativos de una palabra. El tono es una de las cuatro cualidades lingüísticas generales que componen la forma de un poema. Las otra son la relación de las sílabas entrelazadas; las cualidades auditivas musicales y tercero, el ritmo, variaciones controladas en el impulso hacia adelante en el poema.


De estas cuatro cualidades, sin duda la más difícil de analizar es el tono al ser intangible. Como estado de ánimo emocional de una persona, no se puede medir con precisión. Sin embargo, si no conocemos correctamente el tono del poema, entonces no podremos descubrir su significado y en consecuencia, su intensión. El tono del lector y el tono del escritor, desde luego pueden ser diferentes. 


El proceso de escritura es un descubrimiento. Uno nunca comienza a escribir sabiendo cuál será el producto final. Se encuentra en el camino. El producto final es la intensión del poema y cómo se comunica esa intensión: lo que es el mejor orden del tacto que afecta el contenido y también la forma en que se cuenta el poema. El lector busca descubrir lo que llevó al escritor a romper el silencio creativo. Su tono es la imagen sensible de la experiencia vital, física, emotiva y fantástica que logró transmitir. 


La metáfora ha sido un gran descubrimiento del escritor, y nosotros, como lectores, queremos participar en ese descubrimiento, no solo porque esperamos ser entretenidos, sino también porque ese descubrimiento puede ser útil en la vida de nuestras historias por escribir. La metáfora puede ser la transcripción de un evento, puede este invento dar lugar a verdades de la experiencia humana. En algún momento el proceso de escritura, el poeta descubre el tono de su narración tal vez incluso antes de que descubra el significado de connotación y denotación de las palabras. De hecho, es el tono lo que hace a menudo ampliar el significado especial de una palabra. 


La mayoría de los tonos es la distancia emocional entre el altavoz y el tema. También indica la distancia emocional del escritor con el lector. Esto es el mayor poder del poema, incluye el estilo, estructura y todos aquellos elementos que el escritor quiere afectar en el lector. Vemos en una obra de literatura, nutrición para la vida y el tono se convierte en nuestra guía dentro de ese laberinto. Puede ser una inclinación personal que indica nuestra inclinación cultural que pueden ser locales o universales. 


El poeta, ya sea deliberadamente o inconscientemente, explota el aspecto físico del lenguaje. En este componente, el acto de su expresión produce un efecto completo en la lectura. Esta dimensión de su aspecto visible, indica como leer el texto impreso, no como prosa, y también ofrece indicaciones visuales de espacios y puntuado para la entonación de su lectura. Una consecuencia son los sonidos de las palabras cuando se leen en voz alta; o si se leen en silencio, los sonidos cómo son imaginados por el lector. Pero sin duda el aspecto más importe es el significado de las palabras que leemos y escuchamos del poema. Un aspecto poco atendido es enunciar la gran variedad de sonidos de voz que constituyen las palabras de un poema.


Es fácil pasar por alto el hecho de que un poema, como todas las formas de arte, tiene un medio físico, un cuerpo material, que trasmite sus significados inmateriales. Ese medio no es un texto escrito o impreso. El medio físico es el acto de expresión por la voz humana, ya que produce los sonidos del habla que transmite un poema. Producir esos sonidos variando la presión sobre las cuerdas vocales, cambiando la forma de la garganta y la boca, labios y calidad de aire. Se puede decir, entonces, que la producción física de un poema comienza junto al corazón y termina cerca del cerebro. Es una razón por la que se siente que la poesía es la más íntima de las artes, además de ser la más inclusiva y matizada a la indiferencia en expresar lo que es ser humano.


Queremos enfatizar lo importante que es tomar conciencia de la parte material del poema. Si bien, estamos habituados de por vida al lenguaje, esto nos hace en gran medida ajenos a la musicalidad, es simplemente, mirar a través del significado de los tonos que las palabras transmiten, es interioridad de sus vibraciones. Una ventaja importante de leer un poema en voz alta, es que hacerlo ayuda a la palpabilidad de su medio material. Esto es muy importante, porque las acciones orales exponen palabras debajo del nivel de conciencia, pueden servir, de maneras intrincadas y diversas, para interactuar, confirmar y mejorar los significados y sentimientos que las palabras son portadoras. No hay una manera más correcta que otro de leer en voz alta un poema. Los buenos lectores varían mucho, e incluso el mismo lector no lee un poema dos veces de la misma manera. Nosotros estamos a favor de un modo de lectura tenue, uno flexible que se subordine y trate de expresar las particularidades físicas y semánticas de un poema individual. Los poemas con su musicalidad interactúan con nuestros estados de ánimo y significados conectados a estos.


El poeta se dirige directamente a nosotros, a quien el poema se hace pasar por un espectador de vibrante escena, empapado por la luz del sol y resonante con los sonidos del agua en moviendo entre rocas en el río caprichosamente intercaladas. El deleite puede residir en la mera expresión, en nuestras capacidades exclusivas humanas de anunciar asombrosa variedad de sonidos de voz con 44 fonemas en inglés y 24 en español. Las estrofas contienen una notable variedad de longitudes de líneas, que consisten un orden numérico. Cuando lees esas líneas en voz alta, las diferencias de longitud de su sonido pronunciado imitan regularidades en los sonidos hechos por la sondas individuales a medida que afectan al extremo de la orilla. En consecuencia, el patrón de irregularidades de este aspecto visual del poema, está grabado de olas de sonido que avanzan y se retiran. La conciencia percibe aguas oscilantes, como si los sonidos fueran ellos mismos agua que fluye a través del canal auditivo en la mente consciente. Y aún más notable, las estrofas como nubes en movimiento se reflejan en sombras y luces en movimientos en la conciencia del lector. Las figuras metafóricas fusionan la escena, significado y sonido como un solo todo perceptivo. En parte perdimos la belleza del sonido como una proyección resultado de la materialización del poema, es común el empleo de constantes frontales para ello.